Когда речь заходит о японской гравюре, в памяти большинства ценителей японской культуры тут же вспыхивают красочные укиё-э — ксилографии периода Эдо (1603-1868 года), рисующие яркие картинки городской жизни и быта. Это неудивительно — именно запад «открыл» укиё-э и провозгласил их шедевром изобразительного искусства. Ведь, как ни парадоксально, японцы-современники эти гравюры высоким искусством вовсе не считали. 

Техника укиё-э была создана в XVII веке, а основное развитие получила в XVIII (так, цветные гравюры — нисики-э, получили распространение лишь в середине этого столетия, до того они в основном были чёрно-белыми или раскрашивались вручную). Как раз тогда в Японии расцветала городская культура — время стояло относительно спокойное и мирное, в местные «мегаполисы» (прежде всего Эдо и Осака) стекалось множество людей, и у горожан всё сильнее становилась потребность в развлечениях. Кроме того, людям захотелось окружать себя красивыми вещами, хотя раньше такая роскошь была доступна лишь аристократии. Благодаря этому всё активно развивались «низменные» городские виды искусства для потехи толпы, включая, например, лёгкую литературу и остросюжетные спектакли и шоу. 

Укиё-э — яркий образец этой самой развлекательной культуры, и помимо эстетической функции они также играли утилитарную роль. Художники укиё-э иллюстрировали популярные книги и путеводители для путешественников, рисовали афиши мероприятий и рекламные плакаты, создавали дизайн настольных игр, карикатуры и шаржи, портреты известных куртизанок и актёров кабуки (всё равно что современные постеры со знаменитостями!), популярностью также пользовались эротические гравюры с сюжетами из жизни квартала красных фонарей – они были в том числе своеобразными учебниками по плотским утехам. Гравюры были доступны, легко тиражировались, пользовались большой популярностью, но при этом не считались частью искусства, как мы в основном не считаем высоким искусством обложки современной беллетристики.

Когда с приходом эпохи Мэйдзи (1868-1912 гг.) в Японии в моду вошло западное искусство и начали распространяться технологии фотографии и промышленной печати, укиё-э быстро пришли в упадок и перестали играть видную роль в жизни японцев… Зато эти гравюры неожиданно оценил по достоинству Запад.

Одновременно с тем, как в Японии входило в моду всё «западное», на Западе настоящий фурор вызвали предметы японского искусства (цветная гравюра, фарфор, ширмы, кимоно, лаковые изделия и так далее), которые продемонстрировали публике во время Всемирной выставки в Лондоне (1862) и Всемирной выставки в Париже (1878). Европу покорила самобытность и экзотичность искусства востока, в том числе гравюр, появилось. Ими вдохновлялись известнейшие творцы того времени, например, Винсент Ван Гог и Эдуард Мане. Это увлечение даже получило своё название в истории искусства: «японизм». Японцев такой ажиотаж весьма удивил: порой укиё-э использовали в качестве обёрточной бумаги при транспортировке фарфора, и это неплохо демонстрирует отношение к данному виду искусства у японских современников. 

Но спрос рождает предложение! В ответ на интерес Запада затухающая традиция укиё-э получила второе дыхание — в начале XX века родилось движение «син-ханга» (укиё-э новой волны). Творцы этой художественной школы создавали гравюры в основном ориентируясь на экспорт, поэтому нередко адаптировали свои работы для вкусов западной публики и включали в свой стиль приёмы, не характерные для классической японской гравюры (например, через игру света или ракурсы). На внутреннем рынке син-ханга интереса общественности не вызывали — высоким искусством японцы того времени считали картины маслом в западном стиле, а на поприще массового искусства широко распространился модерн.

Помимо син-ханга в начале XX века в Японии зародилось движение «сосаку-ханга», в котором художники отказались от старой системы совместного творчества художника, резчика, печатника и издателя, и взяли на себя весь процесс создания гравюры. Это стало логичным шагом на пути к переосмыслению гравюры в Японии как произведению искусства, а не части массового производства. Кроме того, самостоятельное творчество выводит на первый план самовыражение художника: уже с эпохи Мэйдзи в Японии рос интерес к индивидуализму и стремление творцов выразить своё «я» через творчество. Японские современники не проявляли большого интереса к сосаку-ханга — стиль модерн в массовой культуре и картины маслом или акварелью в культуре высокой пользовались тогда большим спросом. На Западе же сосаку-ханга приметили уже в послевоенное время — на Биеннале искусства в Сан-Паулу в 1951 этот стиль получил мировое признание. 

Тем не менее, нашлись художники, сумевшие совместить традиционную японскую гравюру с модными веяниями модерна и создать уникальный стиль, который пришёлся по вкусу японской публике того времени. Один из таких творцов — Кобаяси Каити, загадочный художник, которого заново «открыли» относительно недавно, в конце нулевых годов века нынешнего. Его работы отличаются экспрессивностью, неповторимой атмосферой и прекрасной работой с цветом. Каити сочетал в своих произведениях традиционные японские мотивы (кимоно, пейзажи) с чисто западными — розы, кресты, игральные карты… Причём сочетал с таким вкусом, что они не смотрелись друг с другом чужеродно. Стиль Каити в современной Японии иногда называют «Киотским ар-нуво».

Про биографию Кобаяси Каити (настоящее имя — Каитиро Хаяси) известно не так много. Родился в Киото в 1896 году, закончил Киотский колледж искусств, после окончания учёбы поступил на работу в красильную мастерскую, где занимался дизайном ткани для кимоно. Параллельно с основной работой Каити рисовал открытки и закладки, которые продавались в киотском сувенирном магазине. Каити рисовал наборы из нескольких открыток и конвертика для них. Его работы пользовались огромным успехом у девушек — настолько, что на рынке даже появились подделки. Открытки Каити упоминаются, например, в одном из романов Танидзаки Дзюнъитиро, известнейшего писателя того времени. Основной период творчества художника пришёлся на 1920-1930-е годы.

К сороковым годам художника начали забывать, а затем настали военные времена, когда расцвет японского модерна ожидаемо подошёл к концу. Сам художник в 1942 году  женился, завёл детей и сосредоточился на стабильной работе по созданию дизайнов ткани для кимоно. Он скончался в 1968 году, когда его былая известность канула в Лету. Открытки Каити к тому времени интересовали разве что любителей антиквариата, и те не всегда могли определить их авторство.

Интерес к «романтике Тайсё» вновь вспыхнул в Японии в 90-е годы прошлого века. В 1992 и 2004 годах в Японии проводились крупные выставки, посвящённые японскому модерну, где в том числе выставлялись открытки Кобаяси Каити… Однако о художнике забыли настолько, что организаторы выставки не смогли их идентифицировать и открытки выставлялись как «работы неизвестного художника». Имя, годы жизни, даже пол художника оставались для исследователей загадкой. 

В 2008 году один посетитель побывал на выставке «работ неизвестного художника» при одном из киотских университетов, и подпись автора на конвертах показалась ему знакомой… Дома он провёл небольшое расследование и обнаружил, что эти подписи в точности совпадают с рабочей подписью его отца на черновиках, сохранившихся с родительского дома… Молодым человеком оказался сын Кобаяси Каити, который до этого понятия не имел, что его отец — загадочный художник, над личностью которого ломают голову маститые искусствоведы! Благодаря ему открытки смогли наконец правильно идентифицировать и восстановить биографию художника.

Так началось новое открытие Кобаяси Каити. В Японии вновь проснулся интерес к его творчеству, включая выпуск альбомов, выставки и различные сувениры с иллюстрациями художника. До сих пор открытки Каити считаются прекраснейшим образцом японского модерна.

Стиль Кобаяси Каити, несомненно, повлиял на работы художников и дизайнеров современности. Он стал одним из центральных художников, среди тех, кто вводил в японскую графику такие «готичные» западные элементы, как карточные символы, сердца, схематичные пятиугольные звёзды, ноты... То, что повсеместно встречается в современном графическом дизайне. Влияние работ Каити и тех основ, что заложил японский модерн, можно проследить, например, в серии продукции от Санрио Sentimental Circus.

Автор: Полина Гуленок